PANORAMA
Selezione di opere dalla collezione della galleria.
Aperta dal 7 maggio 2025
FINISSAGE
Domenica 15 giugno 2025
Ore 11-15
Da sempre l’uomo ha cercato di catturare l’immensità del mondo in un solo sguardo. Il panorama, nella sua essenza, è più di una veduta: è un’aspirazione, un tentativo di contenere l’infinito dentro i limiti di una cornice. Questa mostra riunisce una serie di esempi che, per quanto parziale, indica come la fotografia abbia ereditato e trasformato questa sfida, ripercorrendo una storia che affonda le radici nell’arte, nella cartografia e nel desiderio di dominare visivamente lo spazio.
In pittura il panorama è stato per secoli un esercizio di potere e di meraviglia. I primi esempi di raffigurazione di paesaggio indipendente da altri soggetti datano intorno al 1500. I grandi paesaggi del Rinascimento, (vedi Canaletto 1697-1768) con le loro prospettive studiate, celebravano l’armonia tra uomo e natura, mentre i pittori dell’Ottocento (vedi Turner 1775-1851) lo trasformavano in un’esperienza emotiva, dove l’orizzonte diventava simbolo del sublime.
Con la fotografia arriva una nuova possibilità: fissare il reale non come lo si immagina, ma come lo si incontra.
Eppure, anche nella fotografia, il panorama non è mai stato semplice documentazione. È stato mappa e mito, celebrazione e denuncia. Ha mostrato città in espansione, deserti silenziosi, territori modificati dall’industria, orizzonti che sembravano promettere un altrove. Alcuni lo hanno usato per esaltare l’ordine umano, altri per rivelarne le conseguenze. In ogni caso, ciò che emerge è una tensione costante tra controllo e caos, tra precisione e poesia.
Le opere qui selezionate esplorano queste polarità. Ci sono panorami che sembrano misurarsi con la pittura, altri che sfidano la percezione, altri ancora che trasformano il paesaggio in un archivio del tempo.
Oggi, nell’epoca di Google Earth e dei satelliti, il panorama fotografico non ha perso la sua forza. Al contrario: è diventato un modo per interrogarci sul nostro posto nel mondo, tra ciò che mostriamo, ciò che nascondiamo e ciò che non vedremo mai abbastanza.
Perché, oggi più che mai, guardare un panorama significa fare i conti con una domanda antica: cosa vediamo davvero quando abbracciamo l’orizzonte con lo sguardo? E cosa, invece, resta sempre fuori campo.
Rooftops Series 1961
4 Silver gelatin prints 2004 Ed 23/35
Each signed and dated with pencil on verso “Ed Ruscha 1961-2004”
4 x cm 64.3×64.3 in cornici originali
Richard Misrach (USA 1949) Golden Gate, 29.12.1998, 7.31 am, 1998
signed in front – chromogenic color print,
20 x 24 inches [50.8 x 61 cm] Ed. 2/25
Richard Misrach (USA 1949) – Golden Gate, 15.06.98, 5.48 pm, 1998
signed in front chromogenic color print,
20 x 24 inches [50.8 x 61 cm] Ed. 19/25
Makrana Marble Quarries #12, Rajasthan, India, 2000
Stampa inkjet su carta cotone cm 76 x 97 / 86.5 x 118 Ed. 4/12
Mines # 13 – Inco-Abandoned Mine Shaft Crean Hill Mine, Sudbury, Ontario 1984
Stampa chromogenica montata su foamcore cm 45 x 56 Ed. 2/15
Kuroiso City, Tochigi Prefecture (1989)
Gelatin silver print cm 81×101 – Timbro e firma sul retro – Ed 5/10
Yunotani Village, Niigata Prefecture 1989
Stampa ai Sali d’argento cm 50.5×60.6 – Timbro e fima sul retro
In cornice originale – Ed. 20/25
Lüttich (Liège), Herstal, 1978
Stampa su carta baritata ai sali d’argento cm 23 x 32.5
Firma a matita luogo e anno su retro – NN.
Lüttich (Liège), Herstal, 1977
Stampa su carta baritata ai sali d’argento cm 23 x 32.5
Firma a matita luogo e anno su retro – NN.
Lüttich (Liège), Herstal, 1978
Stampa su carta baritata ai sali d’argento cm 23.5 x 29.3
Firma a matita luogo e anno su retro – NN.
The Great Pyramids Sphinx – Cairo, Egypt – 1971
stampa ai Sali d’argento cm 22.8×103.2/25.2×107.5 – Timbro e firma sul retro e sul fronte NN.
The Great Wall of China – 1982
Stampa su carta RC colori cm 22×130.8/23.7×132 – timbro e firma sul retro e sul fronte NN.
The Long Hidden City of The Incas – Machu Picchu, Peru 1972
Stampa baritata ai Sali d’argento cm 23.3×141/25.4×146 – Timbro e firma sul retro e sul fronte NN.
Red Square and the Kremlin, 1967
Stampa baritata ai Sali d’argento cm 22.7×149.5/25.5×152.8
Timbro e firma sul retro – NN.
Dunkerque, Francia, 1984 / 1996
Prova di stampa su carta baritata ai Sali d’argento cm 70×90 (1998)
Con timbro a secco e firma a matita sul retro. NN.
Rue El Maarad, Beirut Libano 1991 / 1996
Prova di stampa su carta baritata ai Sali d’argento cm 63×80 – 1998
Con timbro a secco e firma a matita sul retro. NN.
Rue Gouraud, Beirut Libano 1991 / 1996
Prova di stampa su carta baritata ai Sali d’argento cm 63×80
Con timbro a secco e firma a matita sul retro.
NN.
Vista del porto, Beirut, Libano 1991
Prova di stampa su carta baritata ai Sali d’argento cm 80×100
Con timbro a secco e firma a matita sul retro. NN.
Leporello 2020
16 immagini di cm 33.5 x 45 – stampa digitale su carta tatami white grm 250
edizione limitata a 200 copie (+50 ap) – incluso mini leporello di cm 15×11
Biografie
da Wikipedia
Edward Joseph Ruscha è nato in una famiglia cattolica a Omaha in Nebraska nel 1937. Sin da ragazzo mostrò interesse per l’arte. Visse per 15 anni a Oklahoma City e poi si trasferì a Los Angeles dove studiò dal 1956 al 1960 presso il Chouinard Art Institute (ora conosciuto come il California Institute of the Arts)[1]. Dopo la laurea, incominciò a lavorare come impaginatore per l’agenzia pubblicitaria Carson-Roberts di Los Angeles
Agli inizi del 1960 egli era già noto per i suoi dipinti, collage e fotografie, e per la sua adesione al gruppo Ferus Gallery, che comprendeva anche altri artisti come: John Altoon, John McCracken, Robert Irwin, Larry Bell, Ken Price ed Edward Kienholz. Dal 1965 al 1969 ha lavorato come impaginatore per la rivista “Artforum” sotto lo pseudonimo di “Eddie Russia”. Nel 1969 ha insegnato presso la UCLA come visiting professor. Nel 1973 fece la sua prima personale alla galleria di Leo Castelli a New York. Fu anche un grande un amico del chitarrista Mason Williams e il famoso muralista Kent Twitchell nel 1978 dipinse un murale in suo onore intitolato il monumento di Ed Ruscha.
Nel 2006 è stato nominato fiduciario del Museo di Arte Contemporanea (MoCA) a Los Angeles insieme con Susan Gersh e David Johnson.
Pop art
Nel 1962 il lavoro di Ruscha è stato incluso, insieme con Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Robert Dowd, Phillip Hefferton, Joe Goode, Jim Dine, e Wayne Thiebaud, nella storica mostra New Painting of Common Objects (Nuova Pittura di oggetti comuni), curata da Walter Hopps al Museo d’Arte di Pasadena. Questa mostra è storicamente considerata una delle prime manifestazioni di “Pop art” in America.
Lavori
Tutti i suoi lavori, sono spesso collegati con il movimento della Pop art.
Ancora studente rimase colpito dai lavori di Jasper Johns che contribuirono a spostare i suoi interessi dalla grafica alla pittura. Fu anche influenzato da Arthur Dove e Marcel Duchamp. In un tour nel 1961 in Europa ebbe modo di apprezzare anche i lavori di Robert Rauschenberg. Alcuni critici sostengonono che nelle sue opere sia rinvenibile anche l’influenza di Edward Hopper. In ogni caso è Ruscha stesso a offrire una sua definizione di arte: “L’arte deve essere qualcosa che ti fa grattare la testa”.
Anche se Ruscha lo nega nelle interviste, il vernacolo di Los Angeles e i paesaggi del sud della California sono stati fonti di ispirazione tematica e stilistica per gran parte dei suoi lavori, molte sue opere lo testimoniano inequivocabilmente.[senza fonte]
Le sue opere evidenziano anche un interesse per la cultura popolare e per la grafica commerciale che continuerà a influenzare il suo operato. Parole e frasi sono ricorrenti nei suoi dipinti, la ricerca lo ha spinto anche all’uso di un’ampia gamma di materiali tra i quali polvere da sparo, sangue, succhi di frutta e verdura, grasso e macchie d’erba. Dal 1980 ha inoltre incominciato a comporre opere che contenevano motivi di luce dai titoli bizzarri che venivano proiettate in stanze vuote.
Richard Misrach (nato nel 1949) è un fotografo americano. Ha fotografato i deserti dell’Ovest americano e ha portato avanti progetti che documentano i cambiamenti nell’ambiente naturale causati da vari fattori artificiali come l’espansione urbana , il turismo , l’industrializzazione , le inondazioni, gli incendi, la produzione petrolchimica e i test di esplosivi e armi nucleari da parte dei militari. La curatrice Anne Wilkes Tucker scrive che la pratica di Misrach è stata “guidata [da] questioni di estetica , politica , ecologia e sociologia“. In un’intervista del 2011, Misrach ha osservato: “La mia carriera, in un certo senso, è stata quella di navigare tra questi due estremi: quello politico e quello estetico”.
Descrivendo la sua filosofia, Tracey Taylor del New York Times scrive che “le immagini [di Misrach] sono per la documentazione storica, non per un reportage”. David Littlejohn del Wall Street Journal ha definito Misrach “il fotografo più interessante e originale della sua generazione”. Littlejohn ha notato il lavoro di Misrach in un formato a colori su larga scala che sfidava le precedenti aspettative della fotografia artistica.
Edward Burtinsky (CA 1955)
Nato nel 1955 a St. Catharines, Ontario, ha studiato al Ryerson Polytechnic University, dove si è diplomato in arti grafiche, e al Niagara College, dove ha ottenuto una laurea in arti grafiche. Fotografo tra i più importanti del mondo[1], sue opere sono esposte in musei, collezioni e libri. Un suo tema importante è quello della distruzione dell’ambiente da parte dell’uomo, esposto nel film da lui diretto Antropocene – L’epoca umana. Nel documentario vengono presentati 43 tra i peggiori disastri ambientali del mondo, tra i quali uno in Italia: la devastazione delle Alpi Apuane, nel nord della Toscana, causata dall’estrazione intensiva del marmo, oggi impiegato in larga parte per ricavare carbonato di calcio.
Toshio Shibata (J 1949)
Fotografo giapponese noto per le sue fotografie di grande formato di grandi opere di ingegneria civile in paesaggi disabitati.
Shibata è nato a Tokyo . Si è laureato alla Tokyo University of the Arts con una laurea triennale nel 1972 e un master in belle arti nel 1974, dedicandosi principalmente alla pittura. Shibata ha ricevuto una borsa di studio dal Ministero dell’Istruzione belga per studiare alla Royal Academy di Gand, in Belgio, dal 1975 al 1977, e in questo periodo ha iniziato a studiare fotografia. Ha tenuto la sua prima mostra personale di fotografia nel 1979 e da allora ha esposto con grande frequenza; dal 1987 insegna anche fotografia a Tokyo.
Wilhelm Schürmann (nato nel 1946 a Dortmund ) è un fotografo tedesco , ex fotoreporter , poi professore di fotografia. È anche un collezionista di arte contemporanea riconosciuto a livello internazionale e curatore , e ha gestito la sua galleria fotografica negli anni ’70, quando la fotografia artistica non era ancora generalmente accettata in Germania. Ha realizzato mostre personali con le sue opere, tra le altre. a Parigi, Vienna, Salisburgo, Brema, Hannover, Colonia e Francoforte sul Meno. Le sue opere si trovano al Museum of Modern Art di New York , al Getty Museum , alla Ludwig Collection e al Museum Folkwang.
I suoi genitori gestivano un negozio di giocattoli a Dortmund -Lütgendortmund . Frequentò il liceo umanistico nella vicina Bochum . Fin da adolescente, la fotografia era la sua occupazione principale. Tuttavia, poiché sia lui che i suoi genitori consideravano un’esistenza artistica senza speranza, dopo il diploma di scuola superiore iniziò a studiare chimica alla RWTH Aachen University , che completò nel 1971. D’altro canto, poiché non riusciva a immaginare di rinunciare alla sovranità del suo tempo per un posto come chimico in un’azienda, non lavorò mai come chimico. Ha invece trasformato il suo hobby, la fotografia, in una professione freelance , fornendo foto per l’ Aachener Zeitung e altri organi di stampa. Già durante gli studi aveva partecipato ad alcuni concorsi e vinto premi di fotografia.
Alla fine del 1973 aprì insieme al suo amico fotografo ed economista Rudolf Kicken la propria “Photogalerie Lichttropfen” nella Kockerellstraße di Aquisgrana . A quei tempi non esisteva alcun mercato per l’arte fotografica. Entrambi furono pionieri nel rendere per la prima volta l’arte fotografica visibile ai curatori dei musei. Nel 1975 parteciparono per la prima volta alla fiera d’arte di Colonia Art Cologne e nel 1976 esposero per la prima volta anche ad Art Basel . Alla fine del 1977 lasciò la galleria perché scoprì la propria mentalità collezionistica.
Dal 1972 al 1976 ha insegnato fotografia presso l’istituto di architettura dell’Università RWTH di Aquisgrana . Sebbene avesse studiato chimica, nel 1979 gli fu assegnato un incarico di insegnamento presso il dipartimento di design dell’Università di Scienze Applicate di Aquisgrana e dal 1981 una vera e propria cattedra di fotografia, che mantenne fino al suo pensionamento nel 2011. Il punto di partenza fu l’assegnazione del Premio degli Artisti della Città di Aquisgrana nel 1978.
Conobbe sua moglie Gaby al liceo di Bochum. Condivide la sua passione per le immagini artistiche ed è altrettanto coinvolta nelle sue attività di collezionista d’arte. La coppia vive nella propria casa a Herzogenrath – Kholscheid, vicino ad Aquisgrana.
Eugene O. Goldbeck (USA 1982-1986)
Nato nel 1892 da Benno T. Goldbeck (1855-1916) e Ida Schultz (1869-1975), entrambi tedeschi-americani di prima generazione, Eugene Omar Goldbeck fu un fotografo commerciale la cui carriera coprì gran parte del XX secolo. San Antonio, in Texas, fu sia la sua città natale che la sede centrale della sua attività, che in seguito chiamò National Photo and News Service.
Goldbeck decise di intraprendere la carriera di fotografo nel 1901 dopo aver immortalato il presidente William McKinley durante una parata locale. Acquistò una macchina fotografica e iniziò a scattare ritratti di compagni di liceo e a lavorare come freelance per i giornali cittadini. Dopo essersi laureato nel 1910, viaggiò per gli Stati Uniti occidentali e in Sud America scattando foto “rapite”: fotografie improvvisate di soggetti e successivamente messe in vendita. In questo periodo acquistò una macchina fotografica Cirkut e iniziò a specializzarsi in grandi ritratti panoramici di gruppo.
Goldbeck prestò servizio nella Prima Guerra Mondiale, nella Divisione Fotografica della Sezione Aviazione del Signal Corps. Successivamente insegnò alla Signal Corps School of Photography della Columbia University di New York. A New York conobbe Marcella Fox, che sposò nel 1919. Tornò poi a San Antonio e, dopo una breve esperienza con la Fox Photo, fondò la propria compagnia fotografica. Oltre a realizzare ritratti di gruppo panoramici, in particolare di personale militare, catturò eventi e scene sia locali che internazionali.
Goldbeck morì a San Antonio nel 1986.
Gabriele Basilico (I 1944-2013)
Esordisce alla fine degli anni sessanta con fotografie di indagine sociale.
Dopo la laurea in Architettura al Politecnico di Milano (1973), si dedica alla fotografia con continuità. Data agli anni 1978-1980 la sua prima ricerca importante – Milano. Ritratti di fabbriche – presentata nel 1983 al PAC (Padiglione d’arte contemporanea di Milano). Il primo incarico internazionale è del 1984, quando viene invitato a partecipare, unico italiano, alla Mission Photographique de la DATAR, l’importante progetto di documentazione delle trasformazioni del paesaggio contemporaneo voluto dal governo francese. Da questo lavoro nascono il libro e la mostra Bord de mer.
Dopo qualche anno, nel 1990, riceve a Parigi il “Prix Mois de la Photo” per la mostra e il libro Porti di Mare. Nel 1991 con un importante progetto sulla città di Beirut, devastata da una guerra civile durata quindici anni, la sua notorietà si sposta a un livello ancora più decisamente internazionale[3]. Un primo bilancio sul suo lavoro è oggetto della retrospettiva alla Fondazione Galleria Gottardo di Lugano nel 1994 e del volume L’esperienza dei luoghi. Fotografie 1978-1993.
Invitato alla Biennale di Venezia del 1996 con la mostra Sezioni del paesaggio italiano/Italy. Cross Sections of a Country, in collaborazione con Stefano Boeri, riceve il premio “Osella d’oro” per la fotografia di architettura contemporanea. Nel 1999 pubblica Interrupted City e Cityscapes, con oltre trecento immagini sulle città realizzate a partire dalla metà degli anni Ottanta, da cui seleziona una serie di fotografie per le esposizioni allo Stedelijk Museum di Amsterdam, al CPF (Centro Portugues de Fotografia) di Porto, al MART (Museo d’Arte Moderna di Trento e Rovereto) di Trento, e al MAMBA (Museo de Arte Moderno) di Buenos Aires. Nel 2000 svolge un lavoro sull’area metropolitana di Berlino su invito del DAAD (Deutscher Akademischer Austausch Dienst) ed espone Milano, Berlin, Valencia all’ IVAM (Istituto Valenciano de Arte Moderno) di Valencia. Riceve inoltre il premio “I.N.U.” (Istituto Nazionale di Urbanistica) per il suo contributo alla documentazione dello spazio urbano contemporaneo.
Nel 2002 la GAM, Galleria civica d’arte moderna e contemporanea di Torino gli dedica una retrospettiva, e nell’ambito di Photo España con il volume Berlin vince il premio per il miglior libro fotografico dell’anno. Nel 2003 partecipa alla V Biennale di Architettura e di Design di Sao Paulo con una mostra in collaborazione con Alvaro Siza, successivamente esposta alla Triennale di Milano e al PAN di Napoli.
Nel 2005 pubblica il libro Scattered City, raccolta di centosessanta immagini inedite di città d’Europa. Nel 2006 espone alla Fundação Calouste Gulbenkian di Lisboa e riceve un incarico di lavoro dal Nouveau Musée National de Monaco. In collaborazione con Amos Gitai realizza inoltre una video proiezione sulla città di Beirut. Nel 2006 pubblica il volume Photo Books 1978-2005, che raccoglie e illustra tutti i suoi libri personali e molti dei più importanti libri collettivi a cui ha preso parte. Lo stesso anno, in occasione di una grande retrospettiva alla Maison Européenne de la Photographie di Parigi pubblica la monografia Appunti di un Viaggio/Carnet de travail 1969/2006. Nel 2007 espone al Palazzo della Ragione di Mantova, all’Ara Pacis di Roma, alla Fondazione Ragghianti di Lucca, alla Pinacoteca Provinciale di Bari.
È anche invitato alla Cinquantaduesima Esposizione d’Arte della Biennale di Venezia dove presenta fotografie della serie Beirut 1991. Sempre nel 2007 realizza una grande campagna fotografica sulla Silicon Valley su incarico del SFMoMA (San Francisco Museum of Modern Art) di San Francisco, dove espone nel 2008, pubblicando il volume Gabriele Basilico-Silicon Valley. Inoltre riceve dalla Fondazione Astroc di Madrid il “Premio Internazionale per la Fotografia di Architettura” ed espone in quella sede. La mostra è accompagnata dal volume Intercity. Nel 2008 realizza una ricerca sulla città di Roma, presentata al Palazzo delle Esposizioni con il libro Roma 2007. Lo stesso anno presenta una ricerca sulla trasformazione della città di Mosca vista dalle sette “Torri staliniane”, svolta in collaborazione con Umberto Zanetti, alla Cité de l’Architecture/Palais de Chaillot di Parigi. Il volume che raccoglie il lavoro si intitola Mosca verticale.
La sua ricerca va sempre più allargandosi alle grandi metropoli del mondo e nel 2010-2011 lavora su Istanbul, Shanghai, Rio de Janeiro, pubblicando nel 2010 Istanbul 05.10, nel 2011 Da Istanbul a Shanghai, sempre nel 2011 Basilico. Rio de Janeiro 2011. Nel 2012 partecipa alla XIII Mostra Internazionale di Architettura della Biennale di Venezia con il progetto Common Pavilions, ideato da Adele Re Rebaudengo e realizzato in collaborazione con Diener & Diener Architekten, Basilea. Il libro Common Pavilions viene pubblicato nel 2013.
Basilico ha sempre intrecciato il suo instancabile lavoro fotografico sulla morfologia e le trasformazioni della città e del paesaggio contemporaneo con attività seminariali, lezioni, conferenze, riflessioni condotte anche attraverso la parola scritta. Il suo pensiero è stato raccolto e sintetizzato nel 2007 nel volume Gabriele Basilico. Architettura, città, visioni, a cura di Andrea Lissoni, mentre nel 2012 ha pubblicato Leggere le fotografie in dodici lezioni.
Dopo una grave malattia combattuta per circa un anno e mezzo, muore in un ospedale della sua città natale; viene tumulato nella cripta del Famedio del Cimitero Monumentale di Milano.
Massimo Vitali è nato a Como, Italia, nel 1944. Si è trasferito a Londra dopo il liceo, dove ha studiato fotografia al London College of Printing.
All’inizio degli anni Sessanta inizia a lavorare come fotoreporter, collaborando con molte riviste e agenzie in Italia e in Europa. In questo periodo conosce Simon Guttmann, il fondatore dell’agenzia Report, che diventerà fondamentale per la crescita di Massimo come “Concerned Photographer”.
All’inizio degli anni Ottanta una crescente sfiducia nella convinzione che la fotografia avesse una capacità assoluta di riprodurre le sottigliezze della realtà ha portato a un cambiamento nel suo percorso professionale. Ha iniziato a lavorare come direttore della fotografia per la televisione e il cinema. Tuttavia, il suo rapporto con la macchina fotografica non è mai cessato e alla fine ha rivolto nuovamente la sua attenzione alla “fotografia come mezzo di ricerca artistica”.
La sua serie di panorami di spiagge italiane è iniziata alla luce dei drastici cambiamenti politici in Italia. Massimo iniziò a osservare con molta attenzione i suoi connazionali. Ha rappresentato una “visione igienizzata e compiacente della normalità italiana”, rivelando allo stesso tempo “le condizioni interne e i disturbi della normalità: la sua falsità cosmetica, allusioni sessuali, svago mercificato, senso di benessere illuso e conformismo rigido”. [Whitney Davis, “How to Make Analogies in a Digital Age” in October Magazine, Summer 2006, n.117, p.71-98.]
Negli ultimi 30 anni ha sviluppato un nuovo approccio alla rappresentazione del mondo, illuminando l’apoteosi della Mandria, esprimendo e commentando attraverso le forme più intriganti e palpabili dell’arte contemporanea: la Fotografia.
Nel 1995 ha iniziato la Beach Series. (mostra presso CONSARC/GALLERIA 1995/96)
Vive e lavora a Lucca, in Italia.
